Die besten Jazzalben von 2019

Es gibt ein Gefühl, dass dies das Album ist, auf das dieser gebürtige New Orleans Bewohner seit einem Jahrzehnt hinarbeitet, dessen substanzielle klangliche Wurzeln 2012 mit Christian aTunde Adjuah beginnen und bis zu den Alben Centennial Trilogy von 2017 fortsetzen. Hätte Ancestral Recall nicht fast 20 Jahre nach dem bemerkenswert talentierten Trompeter, der zum Multiinstrumentalisten wurde, der erstmals ein LP als Bandleader veröffentlichte, erscheinen sollen, wäre es für die verschränkten Puristen viel einfacher gewesen, seinen Platz im Jazz abzulehnen. Diejenigen, die Scotts Odyssee verfolgt haben, wissen, dass seine Fähigkeiten legitim sind und dass er sich verpflichtet hat, dieses tiefgreifende Verständnis des Genres auf neue Formen anzuwenden. Es zeigt sich im Maschinenrauschen, das die ansonsten akustische Session von "Prophesy" kompliziert, und in der Üppigkeit und Schichtung von "Double Consciousness." Er teilt die Segnungen von Saul Williams' gesungenem Performance-Poesie über schnelllebige westafrikanische Polyrhythmen auf "I Own The Night" an einem Punkt und später, als Elena Pinderhughes' Flöte durch den Trompetenruf und den indigenen Beat von "Before" schwirrt. Ein zugänglicher Höhepunkt, “Forevergirl” trägt all die Nuance und den Eigenart einer Radiohead-Suite, ohne in die Kunstrock-Umherirrung abzudriften.

Ein Höhepunkt unter den vielen bemerkenswerten Aufnahmen in der umfangreichen Diskografie des Sängers von Earth Wind And Fire, Philip Bailey, ist Love Will Find A Way, das beweist, dass ein späte Phase Aufschwung für eine Erbe-Act möglich ist. Sein neuestes Album als Comeback zu bezeichnen, scheint hinterhältig, und dieses Gefühl hat keinen Platz, wenn man dieses großartige Set überwacht, das sein Falsett mit einigen der hellsten Sterne der aktuellen Jazzgeneration verbindet. Robert Glasper und Kamasi Washington kombinieren sich für die lebensbejahenden "Sacred Sounds", einen Titel, der an das ästhetische Konzept von Heaven And Earth des Letzteren erinnert und monumental wird, mit Bailey im Mix. Was die Neuinterpretationen von Talking Heads angeht, so konfiguriert seine Version des scheinbar nicht coverbaren "Once In A Lifetime" den Fluss und die Zeitunterschrift um, um sie auf der richtigen Seite des Neuheiten zu halten. Unanfassbar im Vergleich ehrt "Billy Jack" einen Klassiker von Curtis Mayfield, und "Just To Keep You Satisfied" dient als aufrichtige Hommage an einen kraftvollen Teil des Songbuchs von Marvin Gaye.

1968 gingen der Tenorsaxophonist Peter Brötzmann und sein Oktett in einen Keller in Bremen und nahmen eines der wegweisenden Alben des Free Jazz auf, das rauhe und radikal improvisatorische Machine Gun. Unter diesen Spielern war der Schlagzeuger Han Bennink, der sich fünf Jahrzehnte später für diese lebhafte Rückkehr an denselben Veranstaltungsort mit seinem häufigen Kollaborateur anschließt. Den Abschluss dieses Trios zur Feier dieses Moments bildet der Pianist Alexander Schlippenbach, ein deutscher Zeitgenosse und Mitgleid des Globe Unity Orchestra. Angesichts dieser Geschichte und Herkunft ist es wenig verwunderlich, dass Fifty Years After… eine so treue Neuinterpretation dieser chaotischen Energie der 1960er Jahre über "Short Dog Of Sweet Lucy" und den wahnsinnigen Sprint von "Bad Borrachos" bietet. Im klaren Titelsong köcheln sie langsam, anstatt hastig zu braten.

Oft, wenn über neue oder aufstrebende Talente im Jazz gesprochen wird, tauchen Familienstammbäume auf. Vielleicht hat das damit zu tun, wie das hauseigene Genre Amerikas von seinen Ältesten und Veteranen mehr als ein Erbe als einen Beruf liebevoll gepflegt wird. Der Enkel des Schlagzeugers Donald Dean, der bei bemerkenswerten Aufnahmen mit dem Soul-Jazz-Praktiker Les McCann spielte, war dieser noch recht junge Pianist bereits in dieser Tradition verwurzelt, bevor er diese essentielle Stones-Throw-Platte veröffentlichte. Sehr stark ein Teil der aufregenden Los Angeles Szene, nachdem er zuvor mit Größen wie Kamasi Washington und Thundercat gespielt hat, verbindet sich Jamael Dean mit dem Co-Produzenten Carlos Niño für eines der besten aufgenommenen Projekte, das in diesem Jahrzehnt aus den Jazzspielern der Stadt stammt. Angesichts der Neigung seines Schlüsselmitarbeiters für neue Projektionen dringt Black Space Tapes häufig, wenn auch nicht ausschließlich, in kosmische Bereiche vor, wie bei dem schimmernden "Kronos" und "Akamara". Ein wenig lokaler Beat-Szene-Flair sprudelt in der Mitte des Albums mit einer remixten Version des Letzteren, und fließt dann am Ende wieder aus für das frei fließende Finale "Emi". Selbst so übertrifft Dean auch den akustischen Raum und beherrscht das Auf und Ab von "Adawa".

Während mein persönlicher Geschmack in diesem Genre zugegebenermaßen mehr zu avantgardistischem Experimentieren oder Hip-Hop-Hybridisierung tendiert, ist manchmal das Verlangen nach einem recht deutlich swingenden Date zu verlockend, um zu widerstehen. Demnach hat der Altsaxophonist Markus Howell mit diesem mitreißenden Debüt für das verlässliche Posi-Tone-Label den Grund für diesen Anlass geliefert. Von Anfang bis Ende fängt Get Right! die Klänge und Empfindungen ein, die es bewirken, in einem Nachtclub geradlinigen Jazz zu hören, ohne mit einem Eingangspreis oder einem Mindestbierpreis konfrontiert zu werden. In den Händen eines begeisterten Sextetts spielen seine lebhaften Originalkompositionen wie "Warfare" und der Titeltrack gut zusammen mit lässigen Versionen von Jimmy Heaths "Bruh Slim" und Joe Hendersons "Out Of The Night".

Eines der faszinierendsten Ensembles im Jazz des vergangenen Jahrzehnts, Kendrick Scotts gleichnamige Gruppe hat bisher noch nichts, was auch nur annähernd als Misserfolg angesehen werden könnte, geloggt. Für das zweite Blue Note-Angebot des Ensembles und das erste für das Label des Houston-Schlagzeugers, nachdem er sich für das Dream-Team-Projekt Our Point Of View zur Verfügung gestellt hat, bietet der Bandleader/Komponist eine Meditation über das Überwinden der Hindernisse, mit denen man im Leben konfrontiert ist, seien sie persönlicher oder kreativer Natur. Produzent Derrick Hodge hilft dem Oracle, seine Prophezeiung zu erfüllen, ebenso wie die Zugabe des Turntable-Artists Jahi Sundance, wie bei "Horizons" und "Windows" zu erkennen ist. In der Tat spiegelt A Wall Becomes A Bridge eine Wiederentdeckung von Scotts Wesen wider, wo modale Präzedenzfälle und improvisatorische Inspirationen gelegentlich für Boom-Bap-Sensibilitäten biegen, ohne zu brechen oder anderweitig die Form zu verlieren. Es ist diese Subtilität, die die Platte zu einem unverzichtbaren wiederkehrenden Hören macht.

Mit allem respekt gegenüber Lionel Hampton und Cal Tjader ist das Vibrafon allgemein nicht das Hauptinstrument, nach dem sich die meisten Jazzliebhaber in einem Album umsehen. Doch nach seinem Auftritt auf zwei der besten Jazzalben von 2018 - James Francies’ Flight und Makaya McCravens Universal Beings - wäre es unklug gewesen, Joel Ross’ Debüt als Bandleader bei Blue Note auszulassen. Vom Solo-Plink zu Beginn bis zum traumhaften Schluss macht der weitläufige Opener "Touched By An Angel" das dringende Argument für die Etablierung der Vibes an einem prominenten Platz. Sein KingMaker überschreitet danach nie die 10-Minuten-Marke, aber selbst bei relativ kurzwierigen Nummern wie "Is It Love That Inspires You" und "It's Already Too Late" bezaubert Ross pflichtbewusst.

Diejenigen, die mit Bruce Lamonts Auftritten in extremen Gruppen wie Bloodiest und Brain Tentacles vertraut sind, könnten von dem eindringlicheren Post-Rock von "Atlantic", dem Eröffnungstrack des hypnotisierenden Albums seines Sick Gazelle Trios, überrascht sein. Begleitet von dem ehemaligen Schlagzeuger von Sonic Youth, Steve Shelley, und dem Gitarristen/Bassisten Eric Block, dämpft der Chicagoer Saxophonist/Sänger den schweren Metall-Thunder zugunsten eines nachdenklichen atmosphärischen Schattens, der irgendwo zwischen Melancholie und Reverie über die vier Tracks von Odum schwebt. Während es in einem bestimmten Genre nicht gefangen ist, zeigt sich der Jazz hier in einem Zustand des langsamen freien Falls, wobei Lamont eine Art umherirrenden Noten auf dem langen und träge "Pacific" spielt. Das Tempo zieht überraschend an bei "Laguna", dessen zuckiger Rock-Rhythmus durch entkörperlichte Vocals statt durch distanziertes Saxophon gestört wird.

Versierte Harlemtäufer und Eingeweihte, die für die The Shed Jam-Sessions nach Uptown fahren, haben Anu Sun in Aktion gesehen, der den Raum unabhängig vom Veranstaltungsort, in dem das Event stattfindet, stets bewegt. Ein enger Studiokollege von Robert Glasper, der keinen kleinen Anteil an der Herstellung des Miles Davis Reimagining Miles Ahead hatte, spricht der Bandleader in Sanguine Regum große und persönliche Themen an. Er stellt logische Verbindungen zwischen dem Erbe der Sklaverei und dem aktuellen Zustand des amerikanischen Rassismus her, wobei Songs wie "KAEPtain AmeriKKKa" und "SONset Reprise" um das Genre herumflexen, um ihre Punkte zu verdeutlichen. Seine Fähigkeit, Komplexitäten und Nuancen in vertraute Formen wie den nächtlichen R&B-Groove von "Afro Blue" und "Hit Me Back" zu verpacken, macht das Album jedes Mal zu einem erfüllenden Hörerlebnis.

David Torn's sporadische Diskografie für das eklektische deutsche Label ECM reicht über 35 Jahre zurück, mit seinem Soloalbum von 1984 Best Laid Plans, das die Bühne für eine ziemlich lange Karriere in Musik und Film bereitet. Während er in letzter Zeit sowohl solo als auch in Tim Berne's Snakeoil-Projekt für das Label aufgenommen hat, findet Sun Of Goldfinger den Gitarristen/Komponisten so fesselnd wie eh und je im gleichnamigen Trio mit Berne und dem Percussionisten Ches Smith. Die Länge einer Netzwerk-Sitcom zeigt "Eye Meddle" die Fähigkeiten der drei Musiker auf ihren Hauptinstrumenten, während Elektronik in Übereinstimmung mit Torns Katalog hinein und heraus webt. Berne bringt die Dinge erneut an unerwartete Orte auf "Soften The Blow", seine Anfangstöne unter harscher Loop-Bedingung. Im Laufe der Zeit erweitert er es, mit Schichten von Saxophon, die eine komplexe Atmosphäre mit dem Gitarrenmaterial schaffen, wo Smith jeden Schlag sucht. Um einiges weniger chaotisch (bis es das nicht mehr ist) als jene entzückend unordentlichen Buchenden ist "Spartan, Before It Hit", in der sich ein vergrößertes Ensemble von Musikern durch einen ausladenden kinomusikartigen Torn-Stück arbeitet, das offenbar für einen packenden Film geschrieben wurde, den keiner von uns gesehen hat oder der möglicherweise nicht existiert.