Die 10 besten Coveralben, die man auf Vinyl besitzen sollte

Manchmal sind die Ergebnisse bahnbrechend, manchmal sind sie es nicht. Allzu oft stinken ganze Alben mit Coverversionen nach einer zynischen Geldmacherei. Sie können ein halbherziger Übergang zwischen “echten” Studioalben sein oder einfach etwas, wofür sich Rod Stewart in der Vorweihnachtszeit die Zeit vertreiben kann.

Wenn es jedoch gut gemacht ist, kann das Coveralbum ein wahrhaft großartiges Werk sein. Die besten werden die Lieder anderer so tiefgreifend neu interpretieren, dass sie nicht nur die betreffende Musik verändern; der Künstler selbst sowie ihre liebevollen Zuhörer werden auf der anderen Seite durch die anregende Erfahrung verwandelt hervorgehen. Von Metal-Trainings bis hin zu dubartigen Neuinterpretationen, hier sind zehn wesentliche Coveralben für Ihre Sammlung.

Bryan Ferry: These Foolish Things

Während frühere Sänger wie Sinatra oder Elvis nur die Musik anderer sangen, wurde es in den 1970er Jahren allgemein akzeptiert, dass ERNSTE ROCKKÜNSTLER ihre eigenen Lieder schreiben sollten. Bryan Ferry von Roxy Music brach diese Konvention mit seinem Debüt-Soloalbum von 1973, auf dem er die Lieder seiner Helden coverte, und bald darauf folgten David Bowie und John Lennon mit ähnlichen Projekten. Solche nostalgischen Übungen wurden vom Rockkritiker Lester Bangs als ein “ekelhaftes Phänomen” abgetan, obwohl selbst er zugeben musste, dass Ferrys Interpretationen von Standards, Soul-Tracks und Hits der 60er Jahre ein Meisterwerk waren. Mit seiner glitzernden Horn-Sektion und den Motown-ähnlichen Hintergrundgesängen der Angelettes aus Manchester ist These Foolish Things konservativer als die experimentelle Brian Eno-Ära von Roxy Music, doch Ferry bewahrt die verführerische Fassade, dass er ein eleganter Vampir von einem fremden Planeten ist, dank seines unverwechselbaren Warble-Croons, der genau an der richtigen Grenze des Unzurechnungsfähigen bleibt.

David Bowie: Pin Ups

Offenbar war Bryan Ferry nicht besonders amüsiert, als David Bowie kurz nach Abschluss von These Foolish Things anrief, um fröhlich zu berichten, dass er gerade ein sehr ähnliches Album gemacht hatte. Während Ferry sein Netz weiter auswarf, konzentrierte sich Bowie auf britische Gruppen aus der Zeit von 1964 bis 1967. Seine Veröffentlichung wurde zwischen dem konzeptionell neuartigen Aladdin Sane und Diamond Dogs veröffentlicht und wird immer noch von denen verachtet, die es bevorzugen, wenn David so tut, als wäre er ein cross-dressing Alien, ein faschistischer Herzog oder ein sexy dystopischer Hund. Pin Ups markiert tatsächlich eine entscheidende Phase im Bowie-Kanon, da es genau zu der Zeit aufgenommen wurde, als er begann, sich von den Fesseln des Glam Rock zu befreien. Ganz im Gegensatz zur Vergangenheit überbrückt dieses LP die Kluft zwischen den tributeierten britischen Invasionsgruppen und der Punk-Rock-Explosion, die um die Ecke lauerte. Die ansteckende Protopunk-Dringlichkeit der Musik wurde durch die lebhaften Gitarrenlicks von Mick Ronson unterstützt, der seinen Abschied von den Bowie-Alben stilvoll auf die Bühne brachte.

Nick Cave: Kicking Against The Pricks

Das Kicking Against The Pricks von 1986 wurde als Lückenfüller konzipiert. Es wurde zu einer Zeit aufgenommen, als The Bad Seeds nicht genügend Material für ihr nächstes Album geschrieben hatten, weil Nick Cave fleißig an seinem Debütroman And The Ass Saw The Angel arbeitete. Es ist ein Zeugnis für das Talent von Cave und seinen Kollegen, dass die Ergebnisse weit über das Standard-Klone-Coverprojekt hinausgingen. Tatsächlich stellte das LP, dank der Streicharrangements von Mick Harvey, dem Debütauftritt von Schlagzeuger Thomas Wydler und der breiten Palette von angegangenen Stilen, einen kreativen Durchbruch dar. Von Gothic-Blues (“Muddy Water”) und fröhlichem Gospel (“Jesus Met A Woman At The Well”) bis hin zu sanften Balladen (“Something’s Gotten Hold Of My Heart”) und chaotischer Psychedelia (“All Tomorrow’s Parties”) bewegte sich das Album nicht nur gegen die Stacheln, sondern öffnete zudem die Tür zu den späteren musikalischen Entwicklungen der Bad Seeds. Darüber hinaus bewiesen Cave & Co., dass sie ihrer Zeit voraus waren, indem sie Johnny Cash mehrere Jahre vor Rick Rubin Tribut zollten, der dem Country-Star wieder Coolness verlieh, indem er ihm riet, Materialien von Trent Reznor und U2 zu spielen.

Metallica: Garage Inc.

Garage Inc. ist Teil von Metallicas immer faszinierender 90er-Periode, in der die LA-Thrasher mit dem selbstbetitelten “Black Album” von 1991 zur größten Metalband der Welt wurden, ihre Haare schnitt und in eine grungigere Richtung für das Diptychon Load/Reload einschwenkten, und das Jahrzehnt mit einem Live-Doppelalbum mit einem riesigen Orchester abschlossen. Diese Sammlung nahm ältere Stücke aus Metallicas Backkatalog (von denen die Band Diamond Head, Killing Joke, Misfits, Queen und andere coverte) und kompilierte sie zusammen mit frisch aufgenommenen Versionen von Liedern von Discharge, Blue Öyster Cult, Black Sabbath, Nick Cave und Diamond Head (nochmals). Befreit von dem Druck, ein offizielles Studioalbum zu machen, konnte Metallica die Zügel lockerlassen (oder was auch immer davon übrig war) und wurde dabei aufgenommen, während sie lockerer, freier und bedeutend weniger steif spielten, als sie es auf vielen ihrer kritisch beäugten Longplayer tun würden.

Rage Against The Machine: Renegades

Das Debütalbum von Rage Against The Machine von 1992 war ein Meisterwerk im Bereich Rap-Metal, über das niemand in der Geschichte je diskutiert hat, ohne das Wort “entzündlich” zu verwenden. Im Jahr 2000 hatte sich das Genre ein wenig verirrt. Wo RATM Raps und Riffs nutzten, um gegen Ungerechtigkeiten, Ungleichheit und Autorität zu kämpfen, spuckten Limp Bizkit Rhymes über Rollenspiele, Nookie und Fred Dursts hauptsächliche lyrische Sorge (sich selbst) und über Kid Rock ist besser, wenn man nichts sagt. Rage lösten sich fast sofort nach Abschluss von Renegades auf und trotz der Tatsache, dass das Album ausnahmslos aus Liedern anderer Künstler bestand, hörte man sie energischer als je zuvor. Auf diesem Album zollten sie nicht nur Hommage an bahnbrechende Hip-Hop-Legenden wie EPMD, Afrika Bambaataa und Cypress Hill sowie an Garage-Rock-Rebellen wie MC5 und The Stooges, sondern sie erfanden auch die Protestlieder von Bob Dylan, Bruce Springsteen und The Rolling Stones neu und ließen sie alle wie Rage Against The Machine klingen. Heftig, fett und funkig, Renegades war das letzte großartige Rap-Metal-Album.

Cat Power: The Covers Record

Reduzierte Coverversionen wurden seitdem von TV-Werbetreibenden im ganzen Land vereinnahmt, um einen vagen Sinn für emotionale Bedeutung auf all das kalte Konsumgut zu projizieren, das sie zu verkaufen versuchen. Dennoch behält Cat Powers The Covers Record aus dem Jahr 2000 sein Gefühl für ruhigen Radikalismus. Einerseits wirkt Chan Marshall auf diesen Aufnahmen zerbrechlicher als ein Papiersäugetier (und diese Wahrnehmung von ihr wurde durch ihre Neigung verstärkt, Live-Auftritte abrupt wegen lähmender Lampenfieber und exzessiver Selbstmedikation abzubrechen). Solche Beschreibungen tun wenig, um zu verdeutlichen, wie mutig Marshall diese Lieder als ihre eigenen beansprucht, was sie nur mit den spärlichsten Begleitungen am Akustikgitarren- oder Klavierspiel tut. Sehen Sie sich beispielsweise ihre Interpretation von The Rolling Stones’ “(I Can’t Get No) Satisfaction” an, die so stark auf ihre grundlegendsten Formen reduziert wurde, dass nicht einmal der Refrain übrig bleibt, oder die ähnlichen Freiheiten, die Marshall mit The Velvet Undergrounds “I Found A Reason” nimmt. Wenn ihre minimalistische Version dieses Tracks Ihnen keine Gänsehaut verursacht, dann befürchte ich, dass Sie möglicherweise keinen Puls haben.

Easy Star All-Stars: Radiodread

Nachdem sie bereits das gesamte berühmte Album von Pink Floyd auf Dub Side Of The Moon von 2003 gecovert hatten, wandte sich dieses Reggae-Kollektiv Radioheads melancholischem Opus der vormillennialen Neurosen OK Computer. Statt ein albernes Nostalgiestück zu schaffen, bewiesen die All-Stars, dass Kompositionen wie “Subterranean Homesick Alien” und “Exit Music” überraschend gut zu ganja-vernebelten Dub-Workout passen. Ihre Interpretation schafft es sogar, den unbeholfenen Mittelteil des ursprünglichen Albums mit “Fitter Happier” und “Electioneering” zu übertreffen, die beide den Unterhaltungswert der Radiohead-Entwürfe übertreffen. An anderer Stelle wird mit Hilfe von Toots & The Maytals “Let Down” eine leichte, fröhliche und lebensbejahende Angelegenheit, während “Paranoid Android” Jonny Greenwoods zappelige Angst-Rock-Gitarre durch warme jazzy Trompetenbläser ersetzt. So gelingt es dem Album, das bemerkenswerte Kunststück zu vollbringen, Radioheads Musik mit zumindest einem Gefühl zu beleben, das dem gequälten Oxford-Quintett immer entgangen ist, d.h. Freude.

Dirty Projectors: Rise Above

Es ist immer eine mutige Entscheidung, ein anderes Künstlerklassikalbum mit allen Coverversionen zu versehen. Es bedarf eines besonderen musikalischen Rebellen, um diese Aufgabe zu übernehmen, nachdem er das betreffende Album 15 Jahre lang nicht wirklich gehört hat. Die Geschichte besagt, dass David Longstreth während des Umzugs seiner Eltern in das Haus, in dem er aufgewachsen ist, seine alte Kassette des prägnanten Hardcore-Albums Damaged von Black Flag fand. Leider war die Box leer und das Band selbst fehlte. Natürlich beschloss Longstreth, das Album aus dem Gedächtnis neu zu erstellen, ohne zurückzuhören oder auch nur einen flüchtigen Blick auf das Lyric-Sheet zu werfen. Es reicht zu sagen, dass das Ergebnis drastisch von der Version von Black Flag abweicht. Tatsächlich lässt es die zuvor genannte Reggae-Adaption von OK Computer positiv treu erscheinen. Die unheimlichen polyrhythmischen Arrangements, euphorischen Harmonien und drahtigen Gitarrenmuster sind fast so weit von der schmutzigen Aggression des Originalmaterials entfernt, wie Sie sich vorstellen können, was zu einem exemplarischen Beispiel dafür führt, etwas Altes in etwas völlig Frisches und Neues zu verwandeln.

Tortoise And Bonnie “Prince” Billy: The Brave And The Bold

Was erhält man, wenn man den größten Singer-Songwriter der alternativen Country-Musik mit Chicagos renommiertester Jazz-inspirierter Post-Rock-Band kreuzt? Ein Album, das sich nicht allzu sehr nach dem vorherigen Output beider Künstler anhört, stellt sich heraus. Zusammen entblößten Tortoise und der Mann, der als William Oldham geboren wurde, den Bombast und die Optimismus von Bruce Springsteens “Thunder Road”, sodass nur noch ein trauriges, spidery Skelett übrig blieb. Umgekehrt nahmen sie Minutemen’s “It’s Expected I’m Gone” und füllten es mit Verzerrungen, Feedback und anderem dulcet Täuschen aus. Elton Johns “Daniel” dagegen wurde mit Trip-Hop-Glitches und ambienten Gitarrentexturen angereichert, während der Falsett des Bonnie Prince den emotionalen Sog des Originals beibehielt. Rein rechtlich sollte dieses großartige Zusammentreffen von Köpfen ebenfalls in die “10 besten Kollaborationsalben, die man auf Vinyl besitzen sollte”, aufgenommen werden, wann immer wir dazu kommen, diese Liste zu drucken.

Sonic Youth: Goodbye 20th Century

Als es Ende 1999 veröffentlicht wurde, wurde dieses Doppelalbum von vielen als die logische Konsequenz von Sonic Youths selbstgefälligen, “schwierigen” und “unhörbaren” Tendenzen angesehen, was genau der Grund ist, warum es so gut ist. “Goodbye 20th century und goodbye Karriere”, schmunzelte das NME, als es mit dieser Feier von 100 Jahren avantgardistischer musikalischer Exploration konfrontiert wurde (oder genauer gesagt der zweiten Hälfte von 50 Jahren). Über zwei Discs mit Titel, die von 12 Sekunden bis über 30 Minuten reichen, haben die künstlerischsten Art-Rock-Band und ihre Mitwirkenden Werke von Komponisten wie John Cage, Steve Reich, Yoko Ono und Christian Wolff neu interpretiert. Was wäre besser, um Ihre hohen musischen Qualifikationen zur Schau zu stellen, als dies stolz in Ihrer Sammlung zu präsentieren? Stellen Sie nur sicher, dass Sie eine Antwort auf Anfragen wie “Wie steht Sonic Youths Lesart von George Maciunas’ “Piano Piece #13” im Vergleich zu früheren Aufführungen seiner Kreation?” parat haben (Mögliche Antwort: “Es gibt eine gewisse postmoderne Nuance in der lässigen Art und Weise, wie Sonic Youth diese Nägel in die Tasten des Klaviers hammern, die, obwohl nicht vollständig frei von hipster Ironie, dazu beitragen sollte, den anarchischen Geist der neo-Dadaistischen Fluxus-Bewegung für jüngere Generationen von interdisziplinären abstrakten Expressionisten relevant zu halten.”)