Din guide til The Mars Volta

Med seks studiealbums til deres navn er jeg en fast tro på, at Volta har noget for alle, selvom de måske ikke nødvendigvis mener, at dette band gør. Selvom gruppen har forblevet forankret i prog rock gennem de seks albums, har de eksperimenteret med deres lyd på forskellige måder — fra at gøre den så maksimalistisk som muligt til at udgive et album, de omtaler som et akustisk album (selvom det teknisk set ikke er). Med dette har de også udgivet en håndfuld singler, der viser deres variation: dystre vals og latin funk-rock grooves — en der endda skaffede bandet deres første (og eneste) Grammy.

Men for virkelig at opleve Volta er det bedst at tage deres projekt ind, som de havde til hensigt: i sin helhed. Nu ved jeg, hvor hårdt det kan være, især for dem, der er indoctrineret. Hvis det ikke er den skæve instrumentation, er det Bixler-Zavalas stemme. Og snarere end at give dig den reaktion, jeg plejede at give folk, som jeg troede, ville få mig til at lyde så sej (“Du forstår bare ikke Volta”), vil jeg bare sige dette: Prøv at give et af disse albums en chance baseret på, hvordan de er kategoriseret. Uanset om du leder efter det mest tilgængelige album eller måske blot en sampler EP at dyppe dine tæer i, håber jeg, at denne guide vil hjælpe de nysgerrige omkring Volta med at blive enten fans eller, i det mindste, forstå, hvorfor den der ven af dig elsker dem så meget.

Tilgængelig er ikke et ord, der almindeligvis bruges med The Mars Volta, men de to albums, jeg ville anbefale, er enten deres første album, De-Loused in the Comatorium, eller deres sidste album, Noctourniquet. Det første er bedre end det andet, bare fordi det føles som et Volta album: konceptuelt, indholdsrigt, episk — en sand prog rock klassiker. Det sidstnævnte har den ukonventionellehed, der har været integral for bandet siden starten, men det er meget mere ligetil og mindre ekstravagant. At Rodríguez-López har beskrevet Noctourniquet som “fremtid punk” er nøjagtigt. Det er et album, der er mere i tråd med Antemasque (Rodríguez-López og Bixler-Zavalas kortvarige sideband) end Volta, og det giver et indblik i, hvad sidstnævnte kunne have været, hvis den havde leanet mere ind i sensibiliteterne fra deres elskede At the Drive-In med mere af et dash — snarere end hele flasken — af deres prog rock eksperimentering.

Men også, De-Loused er albumet, der startede det hele. De-Loused er ret sammenhængende og fordøjelig sammenlignet med dens efterfølgere; Rick Rubins rolle som producer rapporteret bidrog til denne sammenhæng. Eksperimenteringen her er ret tam; de filmiske afstikkere — den opbyggende stilhed, der starter “Son et Lumière” eller de hule vanddråbe-lyde fra den anden halvdel af “Cicatriz ESP” — er ikke overdrevne, og gør virkelig De-Loused til et konceptalbum. Sange er struktureret på en ligetil måde, selvom gruppen tager en uventet afstikker i form af lange jam-sessioner, som det er tilfældet med den førnævnte “Cicatriz ESP” (som inkluderer duel-guitar-soloer fra Rodríguez-López og John Frusciante) og album-ender “Take The Veil Cerpin Taxt.” Alt dette er ment for at hjælpe med at bringe fortællingen om De-Loused til live, som, under Bixler-Zavalas gådefulde tekster, faktisk er en hyldest til Julio Venegas. En musiker, maler og forfatter, Venegas døde den 15. februar 1996 i El Paso, Texas, da han sprang fra en overkørsel og faldt på Interstate 10 under eftermiddags myldretid.

“Han var vores mentor, han lærte os alt, hvad der skabte, hvad vi er i dag, grundlæggende,” sagde Bixler-Zavala om Venegas i et interview fra 2004 med Rockcircustv. “Julio er bare et eksempel på en sulten kunstner — nogen der altid kæmpede, og når du kæmper, viser din kunst, og han var en levende, gående legemliggørelse af, hvad kunst er eller hvad det burde være.”

De-Loused føles — og lyder — som en episk tragedie. Der findes en melankoli gennem hele albummet, mest bemærkelsesværdigt på “Televators,” dets næstsidste nummer. “Televators” er en fremtrædende fra resten; det er en ballade, der gradvist vokser i intensitet, drevet af Rodríguez-Lópezs akustiske guitar og Bixler-Zavalas vokaler. Hvis der er nogen sang, der indkapsler briljanzen i De-Loused, så er det “Televators.” Men for at nå dertil — og for at forstå albummet overhovedet — skal du lytte til De-Loused i sin helhed. Albummet er en immersiv oplevelse; det første af mange Volta-udgivelser, der kræver sin lytter til at venture ind i deres prog rock afgrund med fuld fokus, selvom du tilfældigvis bliver fortabt undervejs.

Det er vigtigt at bemærke, at bandet tidligere på året udgav Landscape Tantrums: Unfinished Original Recordings of De-Loused in the Comatorium. Mars Volta har aldrig officielt udgivet noget som dette før. (Dette er grunden til, at indtil dette punkt, hardcore fans har været afhængige af peer-to-peer software som LimeWire og senere YouTube for at lytte til bootleg rå versioner af “Roulette Dares” og “Cicatriz ESP.”) Det er en fryd, fordi det er intimt i sin råhed — fra den ubalancerede mix, der får alle instrumenterne til at lyde som om, de er på samme niveauer (den endelige version af “Drunkship of Lanterns” skulle have holdt congas høje som den originale) til “Televators” uden de atmosfæriske lydbilleder, der gør den, hvad den er. Landscape Tantrums inkluderer også sandsynligvis tidligere medlemmer som Jane’s Addiction keyboardist Linda Good og bassist (og ven og langvarig samarbejdspartner til Rodríguez-López og Bixler-Zavala) Ralph Jasso, hvilket viser, hvordan disse medlemmer ikke kun bidrog til, hvad De-Loused blev (den afdøde Jack White keyboardist Isaiah “Ikey” Owens og Red Hot Chili Peppers’ Flea endte med at indspille keys og bas, henholdsvis), men også tilbød deres egen distinkte tolkning på disse sange. Jeg ville anbefale at lytte til De-Loused før Landscape Tantrums, så du kan høre, hvor meget der ændrede sig fra de originale optagelser til den endelige version.

Ved tiden for deres anden udgivelse var Volta fuldt ud prog rock. Kun én sang fra Frances the Mute er under 10 minutter: Bandets første og eneste chart-sang “The Widow” — som jeg antager er Kanye West-godkendt baseret på denne tweet — som ender med en lang outro, der åbenlyst ikke kom med i sporværket til radioen. Resten er over 10 minutter, med et spor, der kommer ind på 32 minutter og 32 sekunder (“Cassandra Gemini”). Frances er det første Volta album, der virkelig føles selvindulgent, og jeg mener det på en god måde. Så meget som fans er enige eller uenige om Rodríguez-López og Bixler-Zavalas ubeskedne musikalske selvudfoldelse, så tilføjer det til bandets tiltrækning, og Frances er uden tvivl den mest sammenhængende — om end stadig udfordrende — lytteoplevelse og eksempel på dette. Album-åbner “Cygnus...Vismund Cygnus” ender med tre minutter af ambient støj. “Cassandra Gemini” er delt op i otte dele. Frances tester ens tålmodighed, ikke kun med dens sanglængde, men med dens eksperimentering, ved at belønne lytterne med endnu et ambitiøst projekt, der har nogle af bandets største musikalske øjeblikke.

“Cygnus...” er strålende tempo: Den skæve groove fra første halvdel er så kraftfuld og punchy, at når broen kommer, vil du tage imod dens ambient stilhed varmt, hvilket giver dig et øjeblik til at indhente vejret, før grooven vender tilbage endnu hårdere. Og selvfølgelig er der “L’Via L’Viaquez,” nummeret der er godkendt af Guitar Hero World Tour, der inkluderer to blændende guitar-soloer fra Frusciante, såvel som en fænomenal piano-solo fra den afdøde legendariske salsa-pianist (og en af Rodríguez-Lópezs største indflydelser) Larry Harlow.

Frances forudså Rodríguez-Lópezs diktatoriske tilgang op til deres sidste album, Noctourniquet. Hvor De-Loused havde Rubin til at hjælpe Rodríguez-López med at holde sine mere avantgarde afstikkere i skak, blev Frances (og hvert Volta album efter) kun produceret af Rodríguez-López. Dette er, formodentlig, hvorfor dette album er mere ambitiøst og ikke-traditionelt. Rodríguez-López kanaliserede sin indre filmregissør og instruerede sine bandmedlemmer til at bringe sin kunstneriske vision til live.

Amputechture anses for at være albumet, der delte Volta fans i to: dem der ønskede, at bandet skulle vende tilbage til en eksperimentel — men stadig fordøjelig — lyd à la De-Loused, og dem der ønskede, at bandet gik videre ind i det ukendte prog rock som de gjorde med Frances. De i den sidstnævnte kategori var sikkert mere modtagelige over for Amputechture, som uden tvivl er et af bandets mest udfordrende udgivelser. Tre af Amputechtures numre er over 10 minutter lange, hver med flere musikalske bevægelser. På grund af dette er Amputechture uden tvivl Voltas mest filmiske album, med Rodríguez-López, der implementerer en meget direkte tilgang til projektets skabelse.

“Den proces, jeg har brugt på de sidste to Mars Volta albums, er, at alt er optaget i en anden rækkefølge og uden sekvens,” sagde han i et interview fra 2006 med Guitar World. “En dag kan jeg optage alt, der er i en bestemt toneart. En anden dag kan jeg optage alt meget blødt, eller alt der er højt og skarpt. Så spillerne har ikke rigtig en kontekst for, hvad der kommer før og efter, eller hvordan de interagerer i sangen.”

Amputechture er uden tvivl Voltas mest kompromisløse bestræbelse, og maleren Jeff Jordans coverkunst for den legemliggør det. Uhyggelig og bizar, men også mærkeligt smuk og fængslende, er Jordans værk, “Big Mutant,” et passende billede for albummet. Hvis du finder dig selv afskrækket af Amputechture, så lyt i det mindste til Juan Alderetes tårefulde bas solo i begyndelsen af “Day of the Baphomets,” og så ​​se denne video af gruppen, der spiller sangen live i The Henry Rollins Show for at se, hvor fantastisk Alderetessoloet er.

Hvis du nogensinde har set komedien fra 2010 Get Him to the Greek, så har du hørt en del af Scabdates før. En kulmination af liveoptrædener fra maj 2004 til maj 2005, Scabdates fusionerer disse optrædener med feltoptagelser — fra grædende babyer til backstage-snak — for at skabe et live album, der skal lyde som om, det kom fra én enkelt optræden. Det endelige resultat giver et ukonventionelt live album, der fanger det gådefulde ethos af Volta, samt deres energiske og improvisatoriske liveoptrædener. For en mere ligetil live album oplevelse er der også deres 2003 Live EP, som består af fire optagelser: to fra Londons XFM Studio (“Roulette Dares (The Haunt Of)” og “Drunkship of Lanterns”) og to fra Londons Electric Ballroom (“Cicatriz ESP” og “Televators.”) Selvom ingen af ​​disse plader er tilgængelige på streamingtjenester, er de tilgængelige på YouTube.

The Bedlam in Goliath har hvad der let er den mest fascinerende baggrundshistorie af nogen Volta-album. På en rejse til Jerusalem købte Rodríguez-López Bixler-Zavala et Ouija-bræt som gave, som de to brugte under deres 2006 turné med Red Hot Chili Peppers. Jo mere de brugte det, jo flere mærkelige ting begyndte at ske for dem, mens de skrev og indspillede albummet — fra Rodríguez-Lópezs hjemmestudio, der flød over, til albumets originale ingeniør, der fik et mentalt sammenbrud. I håbet om at ophæve den forbandelse, brættet pålagde albummet, brød Rodríguez-López det over og begravede det.

Bedlams oprindelseshistorie passer til den overordnede apokalyptiske atmosfære af albummet. Hver sang har en mørke og intensitet til den, primært takket være den dynamiske og kraftfulde trommerytme af Thomas Pridgen. Men i sin tunghed tilbyder Bedlam nogle af bandets mest populære sange, herunder den Grammy-vindende single, “Wax Simulacra,” og “Goliath,” sidstnævnte som er en hurtigere — og dramatisk mindre chill — version af “Rapid Fire Tollbooth” fra Rodríguez-Lópezs Se Dice Bisonte, No Búfalo album. Ærlig talt er Bedlam det mindst chill Volta album i bandets diskografi, hvilket er en del af dets tiltrækning. Det er deres højeste og hårdeste album, med hvert medlem, der spiller — og i Bixler-Zavalas tilfælde synger — deres respektive instrumenter, som om deres liv afhængte af det. Hvilket, i betragtning af at Ouija-brættet måske har ført til, at Bixler-Zavala havde brug for fodoperation, kan deres liv muligvis have afhængt af det.

Dette kunne være en kontroversiel holdning, men når det kommer til Voltás to ikke-koncept albums (Amputechture og Octahedron) er sidstnævnte det bedre valg generelt. Ikke kun inkluderer opfølgningen på Bedlam mere mindeværdige sange — mest bemærkelsesværdigt den kraftfulde “Cotopaxi” og den smukke åbningssang “Since We’ve Been Wrong” — men det er sådan en forfriskende afvigelse fra alt, hvad bandet havde gjort indtil dette punkt. Beskrevet af Bixler-Zavala som “vores version af, hvad vi betragter som et akustisk album,” er Octahedron bemærkelsesværdigt bare. For det første var Adrián Terrazas-González, såvel som rytmeguitarist og lydmanipulator Paul Hinojos, ikke længere en del af bandet. Desuden var Isaiah “Ikey” Owens, der havde bidraget med keys til bandets albums siden De-Loused, ikke på albummet.

“Det er som om, vi fik et helt nyt band,” sagde Volta medlem (og en af Rodríguez-Lópezs brødre) Marcel Rodríguez-López i et interview fra 2009 med Drum magasin. “Det er to medlemmer mindre — vi skulle spille anderledes.”

Det er denne nøgternhed, der gør Octahedron så fascinerende. Så meget af Volta er storslået: Hvor meget kan vi passe ind i én sang? Hvor mange lyde kan vi passe ind i én sang? På Octahedron er det tydeligt, at de ikke rigtig var bekymrede over disse spørgsmål. De gik efter lettere og mere ligetil sange, der viser, at de kan være strukturelt konventionelle, mens de bevarer den lyd, de er kendt for. Jeg ville gå så langt som at sige, at “Since We’ve Been Wrong” er en af deres bedste sange, især set fra et sangskriverperspektiv. Skønheden i dens to modstridende guitar-melodier, Bixler-Zavalas infektøse hook og Pridgens tordnende trommer, der kommer ved halvvejen — det er så strålende tempo og struktureret, men stadig forbliver uomtvisteligt Volta.