Den tabte historie om Indiens forhold til jazz

(billede via Meridian)

1920’erne var en turbulent tid for farvede mennesker, og mere specifikt, sorte mennesker i Amerika. De kæmpede med at navigere i en verden, hvor racisme var udbredt, uanset hvor de vendte sig. Afroamerikanere kunne ikke føle sig velkomne eller sikre. Dette årti bragte også Jazz-æraen — en tid med pragt, forbud og nye penge. I denne æra og i senere år ville ikoniske Jazzmusikere som Louis Armstrong og Duke Ellington turnere verden rundt med deres backing bands. De steder, de optrådte, ville overraske dig; Afghanistan og Indien var voksende hotspots for en østlig Jazz-fan. Desværre er optagelserne af Ellingtons optrædener i Afghanistan siden blevet ødelagt af Taliban, men resterne af hans swing og kampånd er stadig fremtrædende.

Indien, i særdeleshed, udviklede en særlig forkærlighed for Jazz, og afroamerikanske turnerende musikere følte sig velkomne i denne scene. For at undslippe den konstante forfølgelse, de stod overfor i USA, besluttede sorte Jazzmusikere at gøre Indien til deres nye hjem, og med dem blev rødderne til indisk og afroamerikansk musikalsk samarbejde født. Mumbais berygtede luksushotel, The Taj Mahal, gik endda så langt som til at anmode den sorte Minnesota-violinist, Leon Abbey, om at danne et ni-mands resident jazzband i 1935. Forud for dette havde Abbey været en fast bestanddel i Paris' Jazz-scene i seks måneder, og han etablerede det første helt sorte band til at spille Jazz i Indien. De spillede for de fine publikum i Taj's overdådige art-deco ballrum. At se et jazzband optræde var et begivenhed; kæmpe søjler prydede lokalet, og en roterende scene sikrede, at Taj Mahal-hotellet var hjemsted for Mumbais mest livlige musikere.

Jazz fandt også vej til Indien delvist på grund af Den Kolde Krig. Rusland og USA udsatte Indien for, hvad de opfattede som deres største kunst for at vinde deres loyalitet. Mens russerne sendte Kirov Ballet (nu kendt som Mariinsky Ballet) på en tværslandsturné, var amerikanerne opsatte på at gøre Jazz til objektet for Indiens tilbedelse. Dave Brubeck var en af de første musikere, der blev valgt af CIA til at turnere og som følge heraf begyndte han at jamme med mange lokale musikere. Dette førte til, at indere, der måske ikke havde udvidet deres traditionelle komfortzone, eksperimenterede med en fortolkning af et koncept, de allerede var fortrolige med: improvisation. En af Brubecks yndlingsjammer var Micky Correa, som fik en frugtbar karriere, der varede over 30 år. De afroamerikanske musikere, der fulgte med på denne næsten politiske turné, gjorde også det samme, og deres indflydelse var mærkbar i den moderne indiske popkultur. Jazz nåede også Indien gennem opdagelse. Som en portugisisk koloni var romersk-katolske Goanere særligt modtagelige for Jazz, fordi de havde en interesse i vestlig musik og kultur. Ofte har Goanere europæiske navne, og det var Goanske musikere, som blev legender i Mumbais Jazz-scene, som Frank Fernand eller Anthony Gonsalves. Gonsalves blev et husstandnavn per default, fordi han blev nævnt i 1977 komedien Amar Akbar Anthony i sangen “My Name Is Anthony Gonsalves.” Dette taler meget om den enorme indflydelse, disse Jazzmusikere havde.

I Indien blev afroamerikanske jazzmusikere mødt med varme, velkomst og accept; noget der var ukendt i det, de havde kaldt hjem. Og ud af de mange afroamerikanske Jazzmusikere, der bosatte sig i Indien og samarbejdede med indfødte musikere, voksede indisk Jazz. Et andet residentband for Taj Mahal Hotel var et samarbejde med sorte, indiske og hvide musikere; bandet blev ledet af Teddy Weatherford på piano og Cricket Smith på cornet, og så indisk Jazz udvikle sin egen stil ud over mere traditionel amerikansk Jazz. Selvom genrens idé kan synes dikotomisk i starten, giver det mere mening og stemmer overens, når man vurderer og dekoder dens kompositoriske rødder. Klassisk indisk musik er iboende improvisatorisk og bygger på friformede vokaler, suppleret med glitrende sitarer og livlige tablas. Jazzkunstnere af indisk etnisk oprindelse tog improvisation — et koncept, de var fortrolige med — og anvendte det på pentatoniske skalaer i stedet for ragas (indiske skalaer) og spillede på blæseinstrumenter og messing i stedet for shehnai, og vestlig percussion i stedet for tabla og dhol. Denne sammensmeltning af kulturer gjorde det muligt for indiske musikere at diversificere og udvide deres musikalske inspiration, men også skabte karrierer for nogle af de mest ikoniske indiske musikere i historien.

Den indiske Jazz-scene er desværre for det meste blevet glemt i Indien, på trods af at den er en integral del af dens aura. Jazz’ udbredelse viser blot, hvor meget Mumbai var en multikulturel og virkelig global by på niveau med New York. Dens ligheder ligger i at være havnebyer og deres evne til at være pragmatiske og tage påvirkninger. Faktisk er Jazz så vital for den moderne indiske ånd, at da Indien opnåede uafhængighed fra Storbritannien den 15. august 1947, fejrede de rigeste af de rige på Taj med ikke andet end Jazzmusik. Selvom uafhængighedsdagen fejres af det patriotiske 1882 bengalske digt-blevet-sang “Vande Mataram”, symboliserede dette musikalske partnerskab frihed og kreativitet for både sorte og brune musikere undertrykt af hvide mennesker. Desværre er den længst levende indiske Jazzmusiker, Micky Correa, for nylig gået bort, så ingen er tilbage til at fortælle øjenvidneberetninger fra ballrummet på Taj Mahal hotel. Hvad der er værre er, at der heller ikke blev gennemført interviews med disse musikere, og vi kan kun stole på deres indflydelse fanget i populærkultur for at udforske historien om indisk Jazz.

Bollywoodproducenter og musikdirektører fangede vinden af Jazz-trenden blandt Indiens elite, og havde brug for noget, eller mere specifikt, nogen til at modernisere deres snart forældede lyd. Den nogen var en mand, der måske er synonym med indisk Jazz, Antonio Xavier Vaz, bedre kendt som Chic Chocolate. Måske den mest berømte Jazzmusiker, du aldrig har hørt om, Chic var en multi-instrumentalist fra Goa, der formåede at slå igennem ved at spille trompet på mange Bollywood-soundtracks. Chic var stærkt inspireret af Louis Armstrong og blev ofte omtalt som “Louis Armstrong fra Bombay,” selv gående så langt som til at bære det karakteristiske lommetørklæde og synge i den gutturale og hæse stil.

Han startede i Mumbai med at lede et elvemand band på Taj Mahal Hotel. Hans arbejde var produktivt, hans indflydelse er tidløs, og naturen af hans komposition og optræden danner grundlaget for dette ægteskab af kulturer, som indisk Jazz fremmede. At se Chic Chocolate optræde var mere end bare en gennemsnitlig koncert, han sikrede, at hans publikum blev udsat for en oplevelse, de aldrig ville glemme. Han havde en højlydt og charmerende personlighed, der fortryllede både fremmede og faste gæster; han kunne engagere publikum med sin vittige personlighed og hans kærlighed til at optræde var mærkbar. Han udviklede endda et så stærkt forhold til sine faste gæster, at han ville spille deres yndlingssange, så snart de trådte ind i lokalet. Denne livlighed er tydelig i hans musik, når du lytter til gamle optagelser af hans soloværker, bliver du grebet af hans trompetspil. Hans trompet havde en råhed og grusomhed, særlig på nummeret “Contessa”, den havde næsten en personlighed for sig selv og krævede alles opmærksomhed. Chic havde spillet trompet siden han var 25 år gammel og formåede at opnå et uovertruffen niveau af virtuositet. Selvom han primært var kendt som trompetist, betød hans dygtighed, at han også spillede saxofon, violin og flere rytmeinstrumenter, og blev arrangør og dirigent.

Jazz’ indflydelse var så klangfuld, at den nåede Bollywood, og Chic Chocolate er blevet krediteret for at introducere vestlig musik til indiske musikdirektører. C. Ramchandra, en produktiv Bollywood-komponist, var især påvirket af Jazz og søgte at inkorporere det i sit output. Ramchandra arbejdede meget tæt sammen med Chic for at forfine en stil og hylde Jazz på en meget indisk måde. På trods af Jazz’ udbredelse blandt eliten og i luksushoteller, gjorde Jazz’ fusion med Bollywood — grundlæggende Indiens svar på popmusik — det muligt for alle at få adgang til, uanset klasse eller kaste. Bollywood-filmen Albela, som kom ud i 1951, var en blød introduktion til Chic Chocolate. I sin kerne er soundtracket meget sødt, blødt og moderne, men Chic Chocolates trompet svævende gennem disse ellers meget indiske numre tjente som en gateway til Jazz. Et sådant nummer er “Eena Meena Deeka” fra filmen Aasha fra 1957, som blev så berømt, at det er blevet præsenteret i internationale reklamer. Denne sang så Ramchandra finde ud af, hvordan man kan fortolke Jazz på en distinkt indisk måde, mens den stadig lyder traditionelt som afroamerikansk Jazz. Teksten “maka naka” er Konkani for “jeg vil ikke have”, hvad vi så var en fusion af Goanske, portugisiske og afroamerikanske påvirkninger smadret sammen i en unik lydoplevelse. I sidste ende var det en sjov, meningsløs sang, der indkapslede Chics livlige ånd, og ligesom hver eneste anden sang, han er krediteret for, demonstrerer den hans musikalske og geografiske genre-spændende pragt perfekt. Bollywoodmusik har længe haft en historie med at tage fra trends og inkorporere det med traditionelle indiske elementer, især med Bappi Lahiris fortolkning af disco.

Desværre i 60'erne — årtiet der markerede højden af Jazz’ popularitet — var genrens tiltrækning begyndt at aftage. Da komponistduoen Laxmikant-Pyarelal begyndte at gøre bølger i Bollywood med deres genvinding af psychedelia fra vest og tungere, elektroniske instrumenter og Rock n Roll begyndte at få prioritet, var Jazz ikke længere cool efter en slags 40-årig regering, der strakte sig over to generationer. Betydningen af indisk Jazz ligger dog ikke kun i dets endelige produkt, men i den racemæssige solidaritet og samarbejde, der blev født ud af: to diskriminerede grupper af farvede mennesker undertrykt af hvide; Indien af kolonialisme og afroamerikanere af slaveri, der lånte deres land; deres musik til hinanden og skabte noget så fantastisk unikt. Hvad der synes at være en næsten ubegribelig kulturkløft for dem, der er uvidende, er faktisk en indsigt i, hvordan musiks formbarhed skaber skønhed og idiosynkratisk talent.