Vstupte do nízkofidelity karnevalu Caleb Landry Jonesa

Ve 14 letech od svého vzniku, Jones si své rozsáhlé katalogy nechával blízko hrudi, zatímco se stal známějším jako herec. Průlom přišel v roce 2017, když se objevil v kritikou oceňovaných filmech jako Uteč, Tři billboardy kousek za Ebbingem a Projekt Florida. Ačkoliv je jeho pověst spojena s postavami jako Jeremy Armitage z Uteč nebo Steven Burnett ze Twin Peaks, při našem rozhovoru před několika týdny působil Jones naprosto odzbrojujícím dojmem. Často přecházel do animovaných hlasů při vyprávění příběhů, podobně jako modulace, které používá během The Mother Stone, a byl velmi skromný ohledně své práce, vtipkoval o náhodném vzniku svých písní a jejich nahodilých názvech. Nejen, že stále používá starý telefon, ale náš rozhovor se zpozdil, protože jeho táta používal jeho linku.

Stejně jako my všichni, Jones je uzavřený doma, když čekáme, až pandemie ustoupí. Na rozdíl od mnohých z nás tráví svou karanténu na farmě svých rodičů v okrese Collin v Texasu. Konkrétně většinu času tráví ve stodole, kde nahrál převážnou část své nevydané tvorby. Tato stodola se pro Jonesa stala ekvivalentem Wilcova Loftu, což je odrazový můstek pro jeho hudbu čerpající jak z pohodlí, které nabízí, tak z inspirativní tvořivosti. Tento prostor ho chrání před zdánlivým chaosem této doby. „No, já nevím, když sem člověk přijde, je to jako karanténa samo od sebe,“ zamyslí se. „Myslím, že vím, co se děje kolem nás, protože táta dostává Wall Street Journal. Jinak to jen působí normálně, až na tu skutečnost, že víte, že to není normální doba.“

Možná jste spatřili tento ústraní už dříve během této krize, když streamoval z farmy. Stejně jako v normálních časech, Jones neustále píše novou hudbu, a po tom, co divákům ukázal své zaplněné a útulné pracoviště, zahrál něco z toho, na čem pracoval. Jak vzpomínal, „řekli mi, že chceme to udělat několik dní předem, a já si pomyslel, bože, teď můžu pravděpodobně zahrát jen to, co právě vytvářím, protože ty akordy si pamatuju.“ Událost byla stejně nenucená a jednoduchá jako on — spontánní, improvizované vystoupení jeho šílených a rozlehlých melodií.

Ačkoliv toto období celonárodní izolace bylo pro hudební fanoušky jedinečným okamžikem, aby viděli své oblíbené umělce hrát improvizované verze jejich písní, bylo zvlášťé kouzelné vidět Jonese uspořádat lo-fi koncert ze své houpací židle. Dílčím důvodem toho je, že zatím neuskutečnil žádný živý koncert pro své nadcházející album, ale také proto, že tento jednoduchý výkon byl v podstatě úplným opakem skutečného zvuku velkolepé a karnevalové The Mother Stone.

Nejvýraznějším rysem alba, které vyjde 1. května, je jeho neuvěřitelná ambice. The Mother Stone je vzácné současné rockové album, které se snaží navázat na Wish You Were Here nebo In The Court of the Crimson King. Kolekce je poskládána z vícečástí miniatur, složená ze smíšených pohybů, které se pohybují od nenáhlých, vzdušných strummerů po oživené riffové běžce, často během jedné písně. Ale album je také velmi své vlastní a patří k své době. Jsou zde těžké odkazy na B stranu Abbey Road, ale také klaustrofobický FM rock od umělců blízkých Alexovi Turnerovi, jako jsou Mini Mansions nebo Alexandra Savior.

Jones se nikdy příliš dlouho nezdržuje u jedné myšlenky a při více než hodině hudby to zde nechává hodně k zažití, pokud budete dost rychlí. První píseň a hlavní singl „The Flag / The Mother Stone“ je téměř mini-album samo o sobě, spojuje třpytivý orchestrální pochod s drsnou pouštní rockovou acid trip, která trvá sedm a půl minuty. Další píseň, „You’re So Wonderful,” je divadelní výstřelek, plná přehnaných vokálních afektací a dramatických rytmických změn. Po 15 trackích může být kumulativní efekt ohromující, hudba, která velmi bije do svého vlastního bubnu, vás odvádí z mapy.

Po několika posleších si najdete své postavení, když začnete snáze vybírat jednotlivé detaily. Různé nástroje přicházejí a odcházejí, narážejí a otírají se o sebe, když bojují o prostor — vintage Casio klávesnice, opotřebované Yamahy, hadovité struny. Je to nádherně zaplněná koláž ze zvuků. Mezi vrcholy patří „No Where’s Where Nothing Died,“ která začíná klidně před tím, než chytí oheň, jako padající hvězda spalující se do velkého třesku. Vše je to dunění perkusí a plamenné melodie, které se rozzáří do masivního sborového refrenu podpořeného dechy, který se ještě více rozšiřuje pro svou závěrečnou reprízu. Další skladby jako „The Hodge-Podge Porridge Poke,“ však neváhají započít své katarzní kakofonie od samého začátku.

Velkolepý rozsah alba není výsledkem metodického záměru, ale spíše neomezeného instinktu. Jonesův písničkářský sešit rostl tak rychle tím, že dával malý prostor druhým myšlenkám, když znovu vytvářel znějící ve své hlavě. „První kroky jsou nejdůležitější, zjišťuju,“ říká. „Více či méně slyšíte píseň jakousi, jako ve snu, jak ji slyšíte z dálky, ne nutně zblízka. A jak se k ní přibližujete, přibližuje se i ona k vám.“ Směje se abstraktnímu popisu, který nabízí, ale přesto myšlenku dokončuje. „A děláte ty věci, které tento obraz vyplňují tím způsobem, nebo to zničíte a musíte trochu vyčistit plátno pro nové práce.“

To, co definuje The Mother Stone jako odklon od předchozí hudby Jonese, je zavedení spolupráce do tohoto tvůrčího procesu. Po mnoho let téměř téměř vše nahrával a tvořil sám pro sebe, Jones se ocitl v Los Angeles s dostatkem peněz mezi natáčením, aby si mohl poprvé rezervovat studio. Nebylo možné se brzy vrátit do stodoly jeho rodičů, jeho cílem bylo prostě nahrát písně, které napsal při práci na filmech. Realizace plnohodnotného debutového alba přišla až po spojení s Nicem Jodoinem ve Valentine Recording Studios skrze svého přítele Dannyho Lee Blackwella z kapely Night Beats ze Seattlu.

„Řekl jsem mu jen několik písní, protože jsem nevěděl, jak to bude a jak to bude probíhat, jelikož jsme spolu ještě nepracovali,“ vzpomíná Jones. „Ale doufal jsem, že to bude deska, a jistěže po několika dnech jsme jen pokračovali.“ Od tohoto okamžiku Jodoin přivedl do hry Drew Harrisona, který aranžoval strunné a dechové pasáže, které se rozléhají po The Mother Stone. Rozšířený zvuk znamenal další hudebníky, a celkem na desce hrálo přes 20 lidí, od dechařů po druhé a třetí kytary. Připisuje sílu hudby výsledku toho, že „tolik skvělých muzikantů přišlo a dali do toho vše, a pak se vrátili, aby dali zase něco dalšího.“

Je příhodné, že to album, na kterém Jones do tvorby zapojil nejvíce lidí, bude také tím, které se dostane k největšímu počtu posluchačů — jeho první album pro veřejnou spotřebu, nebo alespoň první, které není vydané přes MySpace. Tehdy, ve věku 17 let, Jones neustále přemýšlel o ohlasech: „Oh, kolik lidí mě slyší, kolik lidí schvaluje to, co dělám?!“ Nyní nad tím pocitem kroutí hlavou. „Bylo vzrušující získat uznání, ale zároveň to trochu otravovalo,“ poznamenává a se smíchem dodává: „A pořád jsem kontroloval, jestli to poslouchá nějaký bývalý.“

Uv ědomuje si, že touha po okamžité zpětné vazbě je stále v něm. „Jste vždy zvědaví, zda se to někam posunulo, venku ve světě,“ říká. „Nebo jestli to jen tam sedí, nadechne se čtyřikrát a zemře.“ Ale spíše než aby ověřil své umění, jeho touha, aby lidé poslouchali, má nyní hlavně za cíl zachovat možnost vydávat další. Protože Jones bude vždycky psát novou hudbu; rozdíl, který mi nyní sděluje, je, že je součástí týmu, který obhajuje, že je třeba ji slyšet. A jak čím dál více lidí objeví jeho jedinečnou hudební perspektivu, bude těžší udržet těch dalších 685 písní pro sebe.